#09 建立連結
兒島的空氣裡，始終瀰漫著靛藍與機油的氣味。這種氣味，早就成為我心中日本服裝生產的象徵。經過好幾個月細心的介紹聯絡，以及適應跨文化的商務禮儀後，我們終於來到了 INAHO 公司的門口。在這裡，我們將與擁有 23 年豐富經驗的英國丹寧專家Mohsin Sajid、他的太太Sadi以及他們的朋友Nim碰面。
日本的傳統製造業，非常看重幾十年累積下來的信任關係，而不是靠海外郵件就能建立的。在這裡，每一個引薦機會都必須依靠帶著敬意的堅持，以及對當地文化的理解。而這些，都是商學院的課程裡學不到的。
在 INAHO 那個整潔純淨的縫製空間裡，一股感動突然湧上心頭。這裡，正是Mohsin最喜歡的那件襯衫被製造出來的地方。他認出了那道完全一致的明線紋路，讓他多年的專業經驗，在這一刻與日本精湛的製造工藝，跨越了海洋，緊緊聯繫在一起。
在丹寧博物館，Mohsin一時興起，向旁邊感到困惑的遊客們講解了赤耳（selvedge）的製作結構。在 Whoval 的洗水廠裡，他發現了自己設計中一直在尋找的精緻後製技術。最後，P Labo 對復古丹寧的解構過程，完美結合了專業技術、歷史保存與藝術表達，成為最精彩的成果。
這趟旅程帶來了最珍貴的收穫：一種跨越文化的真心連結。我們之所以能走在一起，是因為我們心中都帶著一份相同的敬重，想要把工藝好好地做下去。
#09 建立連結
#09 建立連結
#08 Studio D’Artisan
匠人匠心，把歷史史織入每一根絲線
在快時尚和大批量生產的時代，Studio D’Artisan 因為堅持傳統而顯得與眾不同。他們研發面料的想法，從來不是為了追求冰冷的技術指標，而是更看重歷史的傳承。這裡的每一塊面料都經過細心製作，安靜地講述著一個完整而動人的故事。
「我們做布料，要的是它骨子裡真的有故事。」團隊一針見血地指出。他們一邊從日本豐富的紡織傳統中尋找靈感，一邊與現在的職人和傳統工藝維持著深刻的連結。
在他們 2026 年秋冬的全新系列中，這款名為「日之出（Hinode）」的丹寧面料就是最好的證明。這款面料使用 GL3 老式織布機織造，並帶來了全新的色彩故事。緯線使用的是「茜草」來染色。這也是日本國旗日之丸歷史上所使用的植物根莖；經線則使用靛藍。
這種搭配創造出了名為「二藍」的紫色調，在過去，這是只有皇室才能使用的尊貴顏色，平民是禁止使用的。而 Studio D’Artisan，正是第一個把這種皇家色彩帶進丹寧世界的品牌。他們的「襲色目（Kasanenoirome）」系列，靈感來自平安時代的貴族，當時的人們習慣穿著色彩層次豐富的衣服。在夾克上，他們採用了「藍澀（ai-shibu）」工藝，把經典藍染疊加在「柿澀（kakishibu）」單寧上面。這是一個經過深思熟慮的選擇，因為他們考慮到了工裝隨著時間穿舊、色落時，會展現出什麼樣的變化。這樣的技術，正展現了日本傳統紡織工藝中那份最一絲不苛的匠人精神。
有別於那些依循龐大古著檔案而生的復刻品牌，Studio D’Artisan 習慣從零散的布料碎片和收集來的古董衣物中尋找靈感。引導他們創作的是深厚的歷史知識，而不是死板的複製。在他們的頂級系列中，最特別的就是「京都水藍（Kyoto Mizuai）」丹寧。他們透過將藍草種子從阿波運送到京都重新種植，採用了百年前因為過程太繁複而失傳的染色技術，成功讓這門古老的手藝再度復活。
他們的每一個季度，都是一個持續發展的故事，而不是彼此沒有關聯的主題。這個故事到今天還在繼續，而它的起點，正是他們最經典的「D01」牛仔褲。這條褲子將歐洲的設計風格與日本傳統的阿波藍染技術結合在一起，為品牌往後的所有設計，奠定了最珍貴的藍圖。
#08 Studio D’Artisan
#08 Studio D’Artisan
#07 與西嶋秀浩的對話
牌成立滿兩年，對西嶋來說，這段日子既像過了一輩子，又像彈指一瞬。他親手打造的時裝品牌 Prequel 以及布料支線 Foley，徹底打破了他過去十幾年在丹寧銷售圈的安穩軌道。這是一次他從未計劃過的豪賭。
「自立門戶從不在我的計畫之內，」他笑著回顧這段歪打正著的創業歷程。他不是設計科班出身，也沒有宏大的商業藍圖。這一切，僅僅是因為一本一百年前的古董布料樣冊，觸動了他的心靈。
出來創業的現實，說白了就是殘酷。資金很緊，時間也常常不夠用。從挑選面料到安排生產進度，所有的責任都落在他的肩膀上。
「壓力確實不輕」他平靜地說，沒有多餘的抱怨。現在的日本時裝界對新牌子其實很不友善。選品店往往規矩很多，非常挑剔，有時甚至有些冷淡。但有趣的是，他反而是在海外，尤其在歐洲，找到了更懂他的客群。那裡的消費者買衣服只看「硬實力」，他們不在乎社群炒作，也不管哪個明星穿過。他們一眼就能看穿衣服的做工、布料的質感，以及編織在布料背後的真正核心。
品牌名字 Prequel（電影前傳）和 Foley（電影擬音），其實都來自他對電影和音樂的興趣。不過他老實承認自己算不上什麼行家。他不會去死記大導演的名字，也不會去收集全套黑膠唱片。即便如此，那些次文化領域依然給了他源源不絕的靈感，讓他把服裝當作說故事的工具，把旋律和聲音變成摸得到的布料。他的設計大量取材自他多年前收集的歐洲老古著，那時候正是日本古著圈的黃金時代，當時價格很親民，而且隨處都能找到特別的寶物。
有些諷刺的是，他現在反而必須學會留白。他腦海中的想法比能做出來的還要多，想做的衣服也超出了市場能接受的範圍。不過，他沒有隨著季節不斷趕製新衣服的壓力。他的創作，本來就獨立於那個停不下來的流行循環之外。如今，他真正的挑戰是克制、是耐心，以及心中那個默默擔心「這一切會不會成功」的焦慮。但他依然沒有停下腳步，拿著下一塊布料樣本，繼續踏實地往前走。
#07 與西嶋秀浩的對話
#07 與西嶋秀浩的對話
#06 幕后花絮
捕捉大阪的文化遗产
我们最近的合作将一支来自世界各地的充满热情的手工艺人和时尚爱好者聚集在大阪，通过镜头，让Barnstormers和R.C.T.这两个历史悠久的品牌焕发新生。
此次拍摄的核心人物是来自荷兰的 Robin Denim 创始人 Koen 和 Robin Meijerink，他们远道而来，旨在捕捉这些历史悠久的日本品牌的精髓。Robin 在牛仔圈内以其对日本工艺和传统风格的深刻理解而闻名，他带来了自己标志性的对细节和氛围的敏锐捕捉。他和 Koen 携手创作的影像，完美诠释了两个品牌的灵魂——充满情绪张力、意境深远且匠心独运。
我们的模特兼风格顾问本顿·尼尔森 (Benton Nilson) 在将这一愿景变为现实的过程中发挥了至关重要的作用。凭借他对传统美式男装及其日式诠释的深刻理解，本顿完美地诠释了Barnstormers品牌1977年的传承以及R.C.T.的现代风格所体现的跨文化对话。他对领型、垂坠感和复古韵味的精准把握，确保每一帧画面都捕捉到了我们所追求的精髓。
这两个地方本身就讲述着各自的故事。始建于1927年的涩川大厦，其引人注目的玛雅和印加风格的装饰艺术立面，为这里提供了丰富的历史底蕴——与Barnstormers近五十年的传承完美契合。之后，我们移步至一家当地的鸡尾酒吧，那里柔和的灯光和略带岁月痕迹的材质营造出一种略带忧郁的氛围，而这正是两个品牌美学理念的精髓所在。
来自 Barnstormers 的 Monroe 先生和来自 R.C.T. 的 Watanabe 先生在当天提供了宝贵的见解，确保每个细节都体现了各自品牌的理念。他们的到来提醒我们，这些不仅仅是衣服——它们凝聚了数十年来对工艺、版型以及制作越穿越有味道的服装的匠心独运。
结果如何？这些照片不仅仅展现了风格，更捕捉到了荷兰的创意愿景、日本的精湛工艺、美国的传统以及大阪的历史氛围交融碰撞的瞬间，成就了真正特别的事物。
#06 幕后花絮
#06 幕后花絮
#05來自天草的鈕扣職人
高中畢業後，井上Yumi（Yumi Inoue）便離開了天草，此後十五年間未曾踏足家鄉。當她終於輾轉歸回，在當地旅遊部門任職時，她開始探尋一個核心問題：這裡到底有沒有什麼真正屬於本地的製造業？這時，有人向她提到了「天草陶石」。在這之前，她對這個名震工藝界的家鄉特產，竟然一無所知。
那是一種白得極致、且非常堅固的材料。學過書法的井上，當時有一個想法：她想完全靠自己的雙手做出一件襯衫。而要做襯衫，就得先做出鈕扣。於是她去拜訪了當地的陶藝工坊，問他們能不能借用瓦斯窯來燒製。沒想到，對方一口答應了。
真正的困難，其實是維持每件作品的相同品質。她堅持用雙手捏製每一顆鈕扣，但泥土對一切都太敏感了。不管是濕度、氣溫還是季節。她慢慢才學會去預測每一顆鈕扣在窯裡會縮水或膨脹多少，並據此調整一開始捏製的尺寸這門學問，她花了好幾年的時間才終於摸索出來。
然後是更考驗功夫的彩繪工序。她堅持只用黃鼠狼毛製成的毛筆，從來不用人工纖維筆。即使是畫同一個設計，隨著當天的天氣變化，需要的毛筆也完全不同。然而，疫情之後的進口限制，讓這種毛筆變得越來越罕見。雖然京都還有幾家碩果僅存的製筆世家，但大家面臨的，都是原料越來越少的同一個難題。
她的圖案靈感，來自於被海洋緊緊環抱的海島生活。海水的表情瞬息萬變，從沒有任何一刻是完全相同的。而那種不斷變化的姿態，就這樣被她自然地寫進了白色瓷器之中。
2018 年，SEUVAS 聽說了有一位鈕扣師傅獨自在天草工作，便知道一定要跟她聯絡。之前也有別的品牌找過井上，但他們追求的是產量與效率，不符合她的手作過程。只有 SEUVAS 明白她的步調。甚至在她還沒有自己的窯爐、必須向陶藝工坊借時間燒製的最初，他們就已經開始了合作。
井上至今仍拒絕網路販售。因為她覺得人沒有辦法透過螢幕去感受材料的好壞。那種潔白的色澤、那份重量，還有光線照在上面的質感。她希望大家能親手捧著這些鈕扣，去感受它們真正的價值。
這場工藝實驗沒有終點。親手捏製、觀測天氣、挑選毛筆、點火開窯。隨著環境的細微變化，出窯的每一顆扣子都長著截然不同的面貌。對井上來說，如果不是這樣，手工就失去了靈魂。
#05來自天草的鈕扣職人
#05來自天草的鈕扣職人
#04 追求永恆的品質
Riding High 的極致日製精神
薄 新大（Shindai Usuki）坦言：三十年來，他其實只專注在同一件產品上。「過去做的東西和現在創作的作品，真的沒有什麼差別。」他說這話時，帶著一種內行人的坦蕩，那裡頭有謙虛，也有掩飾不住的自豪。對這位 Riding High 的創立者來說，這份數十年如一日的專注，就是他最強大的力量。
在自立門戶前，薄 新大曾是幫許多品牌代刀的自由設計師，待在一個凡事追求一模一樣的服裝圈裡。那時候，完美且規格化的產品才是主流。但臼木喜歡的恰恰相反：有破洞的牛仔褲、褪色的衣服、沾到油漆的工作服，還有洗過無數次、摸起來非常柔軟的棉衫。
「我明白在當時的工作環境裡，我沒辦法做自己想做的事。」他說。於是，在 1999 年，他在中目黑開了一家小小的古著與改造店，決定照自己的心願開始創作。
他想創造的初衷很簡單，也很偉大：「一件足以讓日本引以為傲的頂級衛衣」
這個體悟，是透過一次次的握手與工廠拜訪得來的。薄 新大離開了辦公桌，去尋找日本各地的紡織職人。那些編織大師、染色師傅，憑著幾十年的經驗，對材料有著超乎常人的直覺。大家都知道岡山的牛仔褲很有名，但他發現，和歌山才是默默支撐起日本針織與織造的核心。那裡生產的面料，在世界上絕無僅有。這些供應商成了他真正的夥伴，用他們的工藝直覺，一起成就了他的設計。
自從 2010 年把重心轉到衛衣和 T 恤以來，臼木每年都會去參加佛羅倫斯的 Pitti Uomo 男裝展，向全球買手展示傲視國際的日製布料美學。近年來，他也開始投入環保，把剪裁剩下的碎布重新化為新的布料，並創作不加染色的作品，還原棉花最自然的色調。目前這類永續產品已經佔了總產量的四成，而他計畫在未來，將所有的產品都換成對環境友善的永續材料。
他開頭所說的那份執著，在走了三十年之後，現在看來，那根本不是一種限制，而是他最無可替代的遠見。
#04 追求永恆的品質
#04 追求永恆的品質
#03 棲居於創意之間
與石島聰的對談
在東京闖蕩十餘載後，石島聰選擇回到家鄉富山。這個決定，一部分是為了尋根，但更多的是為了從根本上重塑自己的工作形態。在他那座佔地百餘平米的寬敞倉庫裡，石島構築了一個非同尋常的場域：一個生活與工作全然交融、毫無邊界的創意環境。
在這裡，他的古著收藏、新季設計、歷年作品，甚至他的健身區域，都共處於同一個空間中。這種打破疆界的陳列，讓他得以隨時隨地與自己的心血作品產生共鳴。
「我活在自己的設計之中。」他解釋道。這種沉浸式的空間架構，不僅重塑了他工作與生活的平衡，更賦予了作品更深邃的靈魂。儘管他依舊珍視在東京歲月裡所汲取的創意與商業活力，但如今，富山那片靜謐的土地，才是他真正源源不絕的靈感泉源。
這份用心，體現在他創作的各個角落。當問到他為何專注於英式騎士夾克，而不是在日本更常見的美式風格時，他的答案揭示了一套嚴謹的哲學。比起產地，他更在乎特定時期的文化。英式設計擁有獨特的魅力：那是屬於鄉野間的精緻騎行風格，而不是美式摩托車文化中那種粗獷、隨性的風格。
同時，英國人喜歡用更薄、更軟的羊皮，在保暖度上其實更勝一籌。他在原料採購上，同樣展現了這份深思熟慮。石島特意避開了那些主流大廠，轉而與隱世的非主流製革廠合作。他把自己形容為一個研發私房菜的主廚，不屑於使用墨守成規的材料。「大家都買神戶牛，因為那是安全牌，」他說。他更渴望的，是拿那些還沒被市場過度開發的潛力食材，去創造全新的味覺驚喜。
這份堅持，在他的手工靴上同樣展露無遺。聊到做皮衣和做皮靴有什麼不同時，他指出兩者的生產邏輯其實異曲同工。當然，皮革的物性各有不同，有的適合做靴，有的適合做衣服。但背後的靈魂是相通的：對結構的挑剔、對材料的敏銳、還有對皮革隨歲月老去、養出獨特個性的痴迷。不管是穿著他的夾克還是踩著他的皮靴，背後傳遞的，都是對工藝毫無保留的專注。
不久前在芝加哥舉辦的 Boot Camp 展會上，他的作品是全場唯一的日本品牌代表，並掀起了極大的迴響。他笑稱自己其實搞不懂為什麼會被選中，但這場經歷讓他更加篤信一件事：只要你敢於堅持獨特的審美，並把工藝細節做到對得起自己，大家一定能感受到那份純粹。
年輕時，他總愛在店裡死盯著古著的走線研究，常常研究到店員都不耐煩。而現在，這份熱烈，正從富山的那座舊倉庫出發，傳遞給全球每一位熱愛騎行的騎士。
#03 棲居於創意之間
#03 棲居於創意之間
#02彼此之間
有些對話，只有在面對面時才擁有靈魂。就像某人拿出手機，只為讓你看看他最近著迷的面料；一個關於原料採購的隨口提問，會延伸成一場長達一小時、關於日本鄉村紡織廠停業的深度探討。在這裡，名古屋的選品店主與兒島的匠人聚在一起，發現原來他們正從兩端奔向同一個終點，其實一直都在為同一件事而努力。
這樣的交流，無法在 Instagram 上被複製，也無法透過email來傳遞。它們需要距離的拉近、時間的留白，以及一種最純粹的信任。當你們面對面坐著，不談買賣，也不急著離開。
這就是 ENSIDER 在大阪打造這個實體空間的初衷。
我們之所以創立這個空間，是因為服裝產業已經變得太會做營銷，卻太不懂得連結。品牌有精緻的網站，零售商有美麗的店鋪，大家都有社群媒體。
但，彼此真正的交集在哪裡？展會帶來的是買賣，而非夥伴關係；網路帶來的是觸及，而非靈魂深度。販售的機制無所不在，理解的橋樑卻近乎荒蕪。
這個空間被刻意留白：僅有數張座椅、一席長榻，錯落擺放著雜誌與文獻的書架，以及本季合作匠人的作品樣本。這裡找不到任何結帳櫃檯，因為我們不為商務買賣而生。這裡也不推行預約制度，因為美學不該被拒之門外。門已開，茶正溫。每當你需要時，這裡隨時為你亮著燈。
在這裡發生的點滴，遠比進店人流或轉化率更難被量化。一位來自岡山的織廠老闆前來傾訴勞動力短缺的無奈，離開時卻帶走了三位年輕學徒的聯繫方式；一位東京買手在與另一位零售商的閒聊中，意外發掘了一家聞所未聞的頂級丹寧廠；一位對首次批發合作感到焦慮的工藝家，從一位身兼兩端經驗的業界前輩那裡，獲得了最坦誠的建言；而一位初次造訪日本的美國選品店主，則在這裡找到了能真正為他梳理產業版圖的引路人，而非一味向他推銷產品的商人。
這樣的對話，短期內看不見任何投資報酬。它們不是社群媒體上的營銷素材，也無法被成批複製。但，它們會像滾雪球般疊加。信任催生合作，合作帶來更好的產品，而更好的產品，會為品牌凝聚起真正懂得鑑賞的客戶。這是一場多贏的循環，但這一切，都需要一個願意率先播下種子、創造環境的人。
這就是這個空間：一個可能性的起點。一個刻意留給彼此、不談買賣的地方。在這裡，業界的大家不需要表演，不需要客套，也沒有成交的壓力。零售商能坦白自己的疑惑，匠人能分享失敗的經驗。那些通常只會出現在商展後、在展廳外、在展位旁真心話，終於能隨心所欲地聊個痛快。大阪，有別於東京的喧囂與高效，始終懂得那份不急不徐的交流有多重要。這座城市有它自己的時鐘，只為真誠的連結而擺動。在這裡，人們在看名片之前，先交換握手的溫度；在談生意之前，先共享一桌熱氣騰騰的飯菜。他們深信，唯有緩慢積累的交情，才最扎實。
ENSIDER 正是建立在同樣的信念之上。我們沒有顛覆行業的野心，也不標榜創新。我們只是清空雜音，留出一個空間給那種最原始、卻也最有效的力量：也就是人與人真誠地交流，把事情做得更好。
一處容身之所，一個純粹初衷。
門已敞開，期待與你在大阪相遇。
#02彼此之間
#02彼此之間
#01 来自大阪的信
Osaka doesn’t announce itself the way Tokyo does. Here, craft is not mere spectacle; it’s a handshake, a conversation over tea, a factory tour that turns into dinner. The makers we...
